一、世界名画《侧卧的裸女》点评
艺术传奇的诞生：亿元天价的《侧卧的裸女》</
意大利艺术巨匠阿梅代奥·莫迪利亚尼的代表作《侧卧的裸女》以令人瞠目的1.7亿美元成交，超越预估价，震惊艺术界，荣登全球艺术品第二高价的宝座。
眼神的缺席与心灵的探索</
这幅画的独特之处在于，画家刻意让画中裸女失去眼珠，他以此聚焦于身体的纯粹美。裸女的脸庞被莫迪利亚尼赋予了潮红色，与身下的红色毛毯形成鲜明对比，带出一种微妙的性感韵味。毛毯上的黄色花纹与皮肤的质感相得益彰，使得整个画面和谐统一。裸体的自然展现，真实地揭示了肌肤的肌理之美。
审美观念的转变与细节的揭示</
画中裸女的腋毛和阴毛的存在，揭示了1918年那个时代的开放和对性感的新理解，这与当时的主流审美有所不同。画中裸女上身的瘦削，反映了当时审美对纤细身型的追求，这与文艺复兴时期的丰腴形象形成了鲜明对比。然而，大腿的圆润依然保留了传统美感，使得整体画面在对比中呈现出微妙的张力。
未完成的艺术构想与留白的艺术魅力</
裸女的姿势略显不自然，尤其是腋窝处线条的僵硬，暗示这并非一幅完全完成的作品。画面右上方的白色似衣物之物，引发观者的无限遐想，它可能是裸女的衣物，也可能是艺术家有意留下的神秘元素。这一设计巧妙地引导观者的视线从下方扩散，丰富了整体的画面叙事，增添了深度。
永恒的经典与时代印记</
《侧卧的裸女》不仅仅是一幅画，它是莫迪利亚尼对女性身体美学的深刻洞察，也是1918年社会和审美变迁的见证。这幅画作在和谐与冲突、传统与现代的交织中，展现出艺术的永恒魅力和时代印记。
二、简年12:你能找到名画中的他吗
朋友：“在欧洲旅行，最不会欣赏博物馆的那些名画了，看不出什么来。”
我：“不会吧？其实很有意思啊，有时候还可以在画里找找画家本人。”
朋友：“有吗？我不知道哦，举个例子？”
我：比如拉斐尔……
拉斐尔（1483～1520），原名拉法埃洛·圣乔奥，是意大利文艺复兴盛期画坛三杰中最年轻的一位。他出生于意大利东部的乌尔比诺，父亲是宫廷的二级画师，他从小跟随父亲学画。后来到佛罗伦萨后，更是积极吸取各派画家的优势和长处。形成了自己和谐明朗、优美典雅的艺术风格，在文艺复兴时期独树一帜。拉斐尔的重要作品有《雅典学院》、《西斯廷圣母》、《美丽的女园丁》、《椅中圣母》等。
拉斐尔最著名的作品《雅典学院》，如今保存在梵蒂冈博物馆的拉斐尔展室的签字大厅，当时这里是教皇尤里乌斯二世的图书馆兼私人办公室。
《雅典学院》是拉斐尔在1510到1511年间绘制的，代表了他的最高水平。画作以一系列高大建筑拱门为背景，这些建筑参照了布拉曼特主持新建的圣彼得大教堂。整个大厅里洋溢着节日的气氛，这里虚拟地汇集了不同时代、不同地域和不同学派的著名学者。在最中心的位置有两个人迎面走来，其中穿红衣服的年长老者右手指着天，左手夹着《蒂迈欧篇》，他就是以达芬奇为原型绘制的柏拉图；另一位右手掌心向下，左手拿着《尼各马可伦理学》，他就是以米开朗基罗为原型绘制的亚里士多德。
来对比一下跟达芬奇和米开朗基罗像不像？
当然，我们主要找的是拉斐尔本人，不认识的话，可能要对应着自画像来找，拉斐尔可是当时大受女性欢迎的美男兼暖男，可惜英年早逝，只活了37岁。
仔细看就会发现他在画右下角，也是侧脸。
朋友做恍然大悟状：就是拿着证件照在大合照里找人啊！
其实在拉斐尔画室另一个展厅的《波尔神纳的弥撒》也有他本人，这幅画描述了1263年发生在罗马北部波尔神纳地区的一件奇迹，当时有一位波西米亚神父主持弥撒时，怀疑领圣体用的面包和葡萄酒是否为耶稣的身体和血（圣餐变体论），突然他看见祝圣的面包流出了鲜血。也正因为这一奇迹，1264年教宗乌尔班四世正式确立了基督圣体的瞻礼。
画面右下角，也是侧脸的拉斐尔。
同样在梵蒂冈博物馆著名的西斯廷礼拜堂，1508年米开朗基罗受教皇尤里乌斯二世之命在此绘制巨幅天顶画，米开朗基罗一直从事雕刻，并不擅长绘画，但他不敢违抗教皇的命令，非常艰难地花了4年时间完成了不朽的《创世纪》。因为长期抬头作画，他的肌肉严重变形，视力也极度下降，以至于看信件都要举到头顶，那年他只有37岁，不过他一直活到了89岁，而尤里乌斯二世在三个多月后就一命呜呼了。20多年后，另一位教皇克莱蒙特七世又交给米开朗基罗一个艰巨的任务，在这里绘制一幅巨型的祭坛画。1534年已年届60的米开朗基罗在新教皇保罗三世的坚持下用了7年时间创作了惊世骇俗的《最后的审判》。也正是这两幅作品使得这座礼拜堂成为不可替代的艺术圣殿。
画中央自带光环的是耶稣，在右下方有个手提人皮的老头是圣巴多罗买，据说他是在印度传教时被剥皮而死。巴多罗买手中的人皮像就是米开朗基罗的自画像，表达了他在那个时期的痛苦。
画作下层描述地狱，那里有一条阿克隆河，河上有艘渡船，船上的地狱引渡者正把人引渡到各层地狱。我们看到最右下方有个被蛇缠身的男子，米开朗基罗把这个地狱中的人物画成他讨厌的前任教皇尤里乌斯二世的形象，也有个说法是因画作裸体人物太多，当时教皇的司礼官Cesena强烈建议将这幅裸'男性荷尔蒙爆炸的图'挂到澡堂里去，结果就是他被画成了这幅鬼样子，成了地狱判官Minos，哪个说法为真就不清楚了，总之体现了作者的爱憎情绪。
让我们来到佛罗伦萨的乌菲兹美术馆。
利比 LIPPI，Fra Filippo（1406-1469），意大利画家，出生于佛罗伦萨，他的作品以写实和趣味故事为主题，是当时最具影响力的画家之一。利比《圣母子与二天使》约1455-1460，这件作品可说是15世纪宗教艺术中，最精致的典型作品之一。
上面这幅当然没有画家本人，下面这幅《圣母加冕》约1441-1447，画家在画中留下了自己的身影，左下方穿着僧服、用手托腮的就是……
卡拉瓦乔（Michelangelo Merisi da Caravaggio，1571年9月29日—1610年7月18日），意大利画家，1593年到1610年间活跃于罗马、那不勒斯、马耳他和西西里。他的作品通常被认为属于巴洛克画派，对巴洛克画派的形成有重要影响。代表作品有《圣马太殉难》、《圣马太蒙召》、《基督下葬》等，卡拉瓦乔的画作与当时传统的绘画风格截然不同，他惯于用黑色的背景底色体现人物，善于利用明暗对照和非自然的亮光，使画面具有戏剧般的张力效果，突出了主题，令观众有身临其境之感。
卡拉瓦乔一直是我觉得比较悲情的画家，因打架杀人一直在逃，最后不知所踪，尸首都找不到，他的一生充满了谜。
可能很多人对他不熟悉，但是下面这幅《微醺的酒神巴克斯》肯定见过，如今一些咖啡店的装饰里都可以见到。据说这也是卡拉瓦乔的自画像。
这幅画中，凶手背后露出半个脸的就是卡拉瓦乔。
歌利亚的人头，就是画家自己，而不太开心的战胜者大卫的剑上刻着“卑微征服高傲”。逃亡在外的卡拉瓦乔画这幅画，是为了送给在罗马帮他疏通官司争取特赦的伯格赛红衣主教的，就是一种忏悔、祈求宽恕的象征，是作者心中的战斗，是他内心的两个对立面。
埃尔·格列柯（1541~1614）出生于希腊的克里特岛，原名多米尼克斯·希奥托科普罗斯。他学习时代的大部分时间是在意大利度过，但他在三十六岁的时候移居到西班牙。他被现代学者奉为西方艺术史上最具个人风格的画家之一，不属于任何流派，他的作品构图奇特，布局多呈幻想结构，用色大胆，新奇，呈现出梦幻般的奇特效果。
《奥尔加斯伯爵的葬礼》源于一个中世纪的传奇故事:奥尔加斯伯爵是托莱多的名绅，虔诚于教会事业，给圣托美教堂捐过大笔财产。1312年，按照他生前的遗愿，要埋在这个教堂内。但举行葬礼时，发生了惊人的圣迹:天国派了两位圣徒——圣斯蒂芬与圣奥古斯丁——从天而降，亲手为他埋葬，把他的尸体送还大地。
站在左边的一个少年，右手背着持一火炬，脸朝向观者，左手指着从天而降的两位圣者，好像要引起观者的注意。这个少年就是画家心爱的儿子霍赫·马努埃尔，长大后也与父亲一起创作。（生于1578年，画此祭坛画时，刚好8岁，据说画家的的作品以此记录创作年代）。
圣奥古斯丁（右侧，一位白髯长者）与圣斯蒂芬（左侧一俊秀少年）是全画的中心人物，他们在前景小心地扶着伯爵的穿盔甲的尸体。圣斯蒂芬身后右手伸在前面的人就是格列柯本人，他时常巧妙地把自己画到作品中，伸出的右手中指和无名指并拢，相当于自己的签名。
委拉斯凯兹，又被译为委拉斯开兹、委拉斯贵支、委拉斯贵兹等，全名迭戈·罗德里格斯·德席尔瓦-委拉斯凯兹（1599-1660年），十七世纪巴洛克时期西班牙画家，是文艺复兴后期西班牙最伟大的画家，也是西班牙具有贵族气的绘画巨匠，他既以风俗画，又以肖像画闻名于世，对后来的画家影响很大，弗朗西斯科·戈雅认为他是自己的“伟大教师之一”。
《宫娥》无疑是他最负盛名的代表作，后来的许多画家都对这幅作品推崇备至。《宫娥》这幅作品的中心人物是西班牙国王菲利普四世的小女儿玛格利特公主，她处于画面的中心位置，摆出端仪的姿态。左边的一个宫女跪下来，向她奉上一些茶点，但小公主全然不理会，似乎比较任性。玛格利特右边的一个宫女正鞠躬行礼，画面的右下角，是两个供宫廷取乐的侏儒和一条打瞌睡的狗，而公主后面站着的两个年长的仆人可能是玛格利特日常生活的监管者。整个画面最为有趣的是委拉斯凯兹将自己安排在了画面之中，他手持调色板站在巨大的画板后，无比神奇，俨然就是他为自己画的一个肖像。
弗朗西斯科•德•戈雅(Fraycisco de GoyayLucientes 1746-1828)，出生于西班牙北部的芬德托尔斯，是西方美术史上开拓浪漫主义艺术的先驱。早期喜欢画讽刺宗教和影射政府的漫画,贪婪的修道士,偷盗,抢劫,接生婆,全部被他画成魔鬼的样子.他的画集曾被制成扑克牌.他粗俗但充满真理的画风很受广大观众的喜爱.并为他招来各种审判。
戈雅从来不用画笔讨好任何人，体态上的缺陷、品格上瑕疵，都在画面上如实地画出来，不管你是平民还是国王，在他的艺术世界里一律平等。在《查理四世一家》中画家以敏锐的观察力和极其幽默的艺术表现力，描绘了国王一家人的丑态。我们从这幅群像中看到，国王一家极端粗俗丑陋，是一堆穿戴皇族服饰的蠢货。画家唯一没有讽刺的是尚处少年的王子和公主。戈雅以无情的画笔为历史留下了一幅“衰落中的皇族”群像。画中有13个人，13在西方是个不吉利的数字，因此画家将自己也画入背景，站在群像后露半个身子。据说国王十分满意这幅全家福肖像，为此赐予戈雅西班牙“第一位画家”的头衔。但是戈雅却没有把“第一位西班牙人”的称号给予画面中的查理国王一家，致使后来的评论家们说，画中人物都是“锦绣的垃圾”，是“暴发户杂货铺老板的一家”。
说到正儿八经的自画像，倒是画家们常见的题材，比如梵高就画过不少。
但是要说画的最多的，还是荷兰画家伦勃朗。
伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因（1606年－1669年）是欧洲17世纪最伟大的画家之一，也是荷兰历史上最伟大的画家，擅长绘画和蚀刻版画，被视为巴洛克艺术的巅峰。伦勃朗的顶峰之作当属肖像画包括自画像以及取自圣经内容的绘画，他是现今留存自画像最多的画家，至今留下约一百余幅。在每一幅画中都真实地记录了自己容貌的变化。
并不是仅有画家喜欢将自己隐藏在作品中，著名的悬疑导演希区柯克，经典作品有《蝴蝶梦》《后窗》《爱德华》等，他在自己的每部电影中都要露个面，不起眼的路人甲或路人乙，可是有部电影的故事发生在海上的一条救生船中，没有他露面的空间，最后他想了个办法，把自己的头像印在报纸新闻上，出现在船上的道具中……
想要欣赏艺术可以从作者的故事开始，你会发现，其乐无穷！
三、梵高那些广为流传的名画 | 探寻背后你所不知道的梵高故事
梵高转身的镜头，让很多人忍不住眼泪滑落
在众多涉及梵高的电影中，有一部电影《至爱梵高》不得不提，这部艺术影片召集了全球125个画家，前后历时7年创作了65000帧油画，全部手工创作，组成了那一幅幅唯美的画面。这部电影引起了无数人对文森特·梵高的怀念，那位贫穷而伟大的画家终于不再是生前落魄潦倒、没有卖出过一幅画的梵高了。
天才和疯子也许只有一步之遥
提到梵高，人们不仅会想起他的名画《星月夜》《向日葵》，还会想起他曾经割掉自己的一个耳朵，在精神疯癫之后开枪自杀。梵高的这些离奇举动与他的旷世美作之间，仿佛隔了一个巨大的鸿沟，等待我们去探索、去领悟……
对于这个生命只有37年的绝世艺术家（1853-1890），在什么情况下画了这些画，又发生了哪些故事呢？接下来，我就带着大家去欣赏梵高那些广为流传的名画，探寻名画背后你所不知道的梵高……
《向日葵》
梵高非常喜欢画向日葵，他的作品《向日葵》一共画了11幅，被收藏在世界各地的知名美术馆中。梵高通过该系列作品向世人表达了他对生命的理解，并且展示出了他个人独特的精神世界。
这幅向日葵是他所画的第4幅，诞生于1888年，背景选取的也是黄色，非常明亮的色调，却不让别人有违和感。有的花朵张扬而盛开，有的花朵快要枯萎，有的花朵结满了果实。
背后的故事：
梵高生性孤僻，不懂人情世故，不善与人交往……在他的生命中几乎没有朋友，却有一个影响他一生的重要人物——保罗·高更。高更是当时非常著名的画家，梵高发自内心欣赏高更的作品，多次邀约高更来阿尔勒小镇与他同住，最终高更给出了肯定的答复。
梵高欣喜若狂，一边布置给高更的新房，一边在等待高更短短不到数月时间里，梵高创作了很多杰作，包括《向日葵》系列的前四幅。而这第4幅，也让高更驻足良久、盛赞不已。
《包扎耳朵的自画像》
梵高的自画像，往往成为对画家心理探索的佐证，是画家性格特征的一面镜子。画家在描绘自己时，敢于剖析，毫不掩饰地揭示出他性格中最令人感到意外，却又是最为动人的一面。此幅肖像作于他的“割耳朵事件”发生一个多月之后，是梵高的第三幅自画像。此刻，画家已找到了他内心的自我平衡。
背后的故事：
这幅画同样是梵高1888年所作，上幅画我们讲到梵高邀请高更来阿尔勒同住，起初他们相处愉快，但随着两位棱角分明的艺术家的朝夕相处，审美志趣的不合，再加上梵高疯癫的几次发作，换来的是不断的争吵。高更几次都想离开，梵高异常伤心，却又无法阻止，无法抑制自己的激动，当着高更的面，竟割下自己的右耳。他据此画的这幅自断像，成为他最具代表性的作品之一。
《星月夜》
《星月夜》是梵高最经典的代表作之一。在这幅画中，梵高用夸张的手法，生动地描绘了充满运动和变化的星空。夜晚的天空高又远，各种星星回旋于夜空，金黄的满月形成巨大的漩涡。暗绿褐色的柏树像巨大的火焰，是星夜狂欢的响应者。天空下，安睡的村庄那么宁静、安详。淡蓝的色调，动感的线条，给人自由的时空感。
背后的故事：
1889年5月，梵高精神第二次崩溃之后，来到离阿尔25公里的圣雷米自愿接受精神病治疗。那时，医生允许他白天外出写生，他住院一个月后，画了这幅画，画中的村庄就是圣雷米。也有人则认为这是梵高头脑中幻想出来的画面，无论如何，正是这份天马行空的流动感打动着我们。他只是把那片星空，当做了生命。
《盛开的杏花》
这幅画一改梵高以往的风格，呈现给我们清新脱俗的感觉。蓝绿色的背景让人感到清凉又舒服，没有梵高惯用的漩涡，没有山岚起伏的色彩，连浓涂厚抹也舍弃了，只有无边的宁静，带着纯而又纯的天蓝水蓝向四周弥漫。每一朵花都充满着灵气，仿佛每一朵都会迎风飘起，散发出淡淡的芬芳。
背后的故事：
这幅画是梵高1890年春天在圣雷米画的，他最心爱的弟弟提奥有了一个儿子，取名Vicent Willem(文森特威廉姆)。梵高知道了，非常开心，于是，他画了这幅杏花，作为贺礼送给自己的侄儿。
杏花，这春天里最早开花的果树，它向人间预告新生命的开始，《盛开的杏花》就是象征着迎接新生命。梵高曾梦想成一个家，但这梦想被现实残酷地粉碎了。可以想象，当他听到提奥有了孩子是多么喜悦。他看到了新生命，看到了充满希望的未来。
《乌鸦群飞的麦田》
这幅画创作于1890年7月，画中绿色的小路在黄色麦田中深入远方，黑暗的天空增添了不安和忧郁的精神状态。以黑暗，严酷的天空显示了梵高的精神状态的困扰，与徘徊不决的通往不同方向的三种途径，与黑色乌鸦架空的预示死亡迹象。
背后的故事：
据说，这是梵高自杀之前创作的最后一幅油画作品。饱受了三年精神疾病之苦，在内外交加的压力下，最终，梵高在湖畔开枪自杀，结束了他传奇的一生。
“他生下来。他画画。他死去。麦田里一片金黄，一群乌鸦惊叫着飞过天空。”（法国诗人波德莱尔对梵高的评价）
很巧合的是，本文中选取的这5幅画，都是梵高离世前最后2年所画，这5幅画是后印象派的经典之作，也可以说是他的巅峰之作。
我们总抱怨生活的不易，对于梵高来说，正是这些不一般的人生经历，才促使他能够尽情发挥出自己的天赋才华，留给我们流传后世的杰作。
天才在左，疯子在右。
对于梵高其人、其画，你有怎样的理解呢？对你又有怎样的启示呢？欢迎在留言区讨论。
